VEO

De latir mi corazón se ha parado

Fea traducción de un título que en francés es perfecto: "De battre mon coeur s’est arrêté".

Es una de las mejores películas que he visto. Hay un ambiente sórdido, repugnante. Hay una relación padre-hijo malsana y manipuladora. Hay un tiempo añorado, seguramente más feliz, que aparece, brevemente, con unas clases de piano. Hay un hombre joven confrontado a lo que un día quiso ser y lo que la realidad le ha dado.

Una suerte de furor lleva a su protagonista (estupendo Romain Duris) a correr detrás de lo que ansía: dinero, amor, familia. Todo le escapa, o le adviene de manera equivocada. No se puede forzar el destino, pero hay que prepararle la vía parece decirnos el realizador.

La lucha interna del ser humano para elegir lo que verdaderamente desea ser es uno de los temas mayores. Y aquí, ello implica rupturas, sufrimiento, negaciones, concesiones. De algún modo es también una película de crecimiento. Una suerte de bildungsfilm maravilloso en el que todos tenemos una segunda chance.

La música o el arte en general como escape, o mejor aún, como redención, es el segundo gran tema.

La banda sonora es, se imagina, soberbia y rara: Télépopmusik y música clásica. Como el corazón del protagonista, latiendo a mil cuando rompe puertas y lanza ratas, y dejando de hacerlo al contacto de las teclas de un piano.

Una entrevista en El País a su director: Jacques Audiard.

vendetta

acabo de ver esta pelicula.

esperan largas horas de reflexion en la cama...

Romanzo Criminale

Peli que fui a ver anoche, tarde, cerca de casa.

Una banda de delicuentes ha tomado Roma. Son los años setenta. Las Brigadas Rojas entran en Roma. Secuestran y matan a Aldo Moro. Las imágenes de documental sacuden.

La película da una versión de este secuestro y asesinato que siguen siendo una incógnita.

El ritmo es trepidante. Las imágenes tienen un precioso tinte opaco, muy de la época. La historia de amor juvenil es algo naive, la otra mucho más verosímil y poderosa.

Roma aparece en otoño, todavía con sol. Sus calles de piedra recubiertas de una luz amarilla transportan al territorio del sueño. Sin embargo hay muertos y explosiones, arreglos de cuentas entre pequeños delincuentes. Hay vespas, tragos, rayas de coca.

Anna Mouglalis está sencillamente perfecta.

Brokeback mountain

He llegado y me he sentado a descargar la banda sonora de esta película. Sublime.

Hace ya buen tiempo que he dejado de ir al cine con la frecuencia casi diaria de los años anteriores y el ver películas ha recuperado el encanto de lo especial, del pequeño premio que se da uno de cuando en cuando. Así que ahora sólo veo lo que realmente me interesa. Brokeback Mountain ha encantado u horrorizado a mis amigos. Indispensable verla entonces.

Y más allá de todo lo que ya he leído sobre esta película, hay algo que atrae particularmente mi atención. Esta historia presenta, además de muchas cosas, y a través de dos personajes perfectamente construidos, dos maneras de enfrentar el futuro, de asumir lo que se es, dos maneras de amar.

Ambos personajes se sitúan no lejos del punto de partida y a partir de un evento clave desenrollan el ovillo de sus vidas. No mucho ha sucedido antes de su encuentro ya que la historia cubre la totalidad de sus vidas. Pienso en la infancia y en lo fundamental que es esta etapa para el hombre. Creo que la infancia lo es todo, o al menos condiciona todo el resto. La infancia es irremediable. Lo que nos haya tocado vivir en ese lapso determinará no sólo las decisiones futuras, sino la percepción de lo que es ajeno a nuestra voluntad y nos sobreviene. Poco se sabe de su infancia, pero se intuye por el efecto que tiene en casi todas sus acciones.

Ennis Del Mar es seco, duro, con los pies en la tierra, poco dado a la efusividad y ninguna capacidad de soñar. Jake es afectuoso, dicharachero, impulsivo, es la acción.

Del mismo modo, se desarrollan sus caminos. Uno es pastor, el otro está en el rodeo. Uno vive con dificultades, el otro se hace rico rápidamente. Uno lleva su sexualidad cargado de culpa, el otro parece aceptar su naturaleza con mejor talante. Uno mide lo que da, el otro da simplemente. Uno es sobrio, austero, el otro insatisfecho y exigente. Uno renuncia de algún modo a sí mismo, se castiga, se auto condena a la soledad, el otro se vive plenamente,continúa su búsqueda, encuentra lo que no espera.

Este contrapunto maravilloso sólo es posible con un guión perfecto.

Adiós Skywalkers

Mientras oigo "Moonlight shadow" le digo adiós a varias cosas.
Ayer salimos Wafik, su novia, Gabriela y yo. Hablamos de asuntos de los que no quería acordarme y a los que hubiera querido decir adiós mucho más pronto.

Hoy leo otro adiós del que va un fragmento. Fue publicado hoy en Libération y escrito por un verdadero fan.

«Star wars»: bouclée est la boucle (el rizo está rizado)

«La Revanche des Sith», el episodio más sombrío de la serie, marca el fin de un fenómeno cinematográfico y comercial sin igual.

Por Olivier SEGURET

adiós! Entre alivio y pena, queremos expresar primero un gran y largo adiós a la saga Star Wars que tenemos pegado a la piel y a la retina desde hace ya casi treinta años. Para cada quién, cinéfilo riguroso o dilettante, un inmenso círculo personal cierra hoy su anillo mágico sobre nuestras vidas: por gusto o por fuerza, hemos sido los contemporáneos de la sucess story más colosal jamás producida en el cine y que se convertirá inevitablemente en un hito mitológico.

Ruptura. Adiós! Este último film, presentado ayer en Cannes y proyectado en salas este miércoles, es el de todas las rupturas: adiós a la infancia inocente que brotaba del primer opus; adiós al Bien desbordante; adiós al amor redentor. Episode III, la Revancha de los Sith es sin duda el más amargo y tenebroso de los episodios de la serie (su violencia manifiesta le valió una prohibición para los menores de 13 ans en los Estados Unidos). Y esta melancolía, esta crueldad, sirven para dar consistencia a la verdadera apuesta de este último viaje intersideral: la transmutación de Anakin Skywalker en Dark Vader, o sea la metamorfosis del Elegido luminoso en Emperador funeste. (...)

Adiós! Adiós al cine argéntico, del que la saga logra, desde un punto de vista histórico, encarnar a la vez el apogeo y la agonía. Los primeros eslabones fueron los films sobre película más populares del mundo, los últimos eslabones, enteramente filmados en numérico, insinúan el fin de un reino technológico secular. Desde un punto de vista gráfico y formal, la Revancha de los Sith tiene una virtuosidad casi irreprochable: las texturas, la rapidez de la ejecución, las espirales de tormentas guerreras que explosionan en un iniferno de fuego y de acero, llegan al punto máximo. (...)

Adiós! Adiós a nuestra juventud, en fin, ya que ningún otro nuevo episodio vendrá a darnos un pretexto para prolongarla un poco más en el centro de nuestras vidas adultas. En cuanto a ésto, no es solamente una saga que se termina sino un duelo que comienza.""

aniversario n° 13

Viajo en tu piel
la distancia se adelgaza entre los dos.

Hay noches que son demasiado largas si te vas
hay noches que son demasiado largas si no estás.

letras de Rodrigo Quijano
para Mar de Copas

Intimacy

Estas semanas he estado desconectada más por cuestiones de ánimo que por falta de tiempo. A veces uno tiene poco que decir.

Hace unos cuantos días tuve la suerte de encontrar un libro de Hanif Kureishi, un escritor que ha comenzado a llenar mi biblioteca y que tiene una versatilidad poco vista. El libro en cuestión se titula Intimacy, y es una novela corta muy bien escrita que se lee de un tirón. Enseguida vi la version que Patrice Chéreau realizó.
En esta película uno se encuentra con un cine que escapa a todo lo que se haya visto. Creo que pocas veces se ha ido tan lejos en cuanto a la actuación. Impresionante.

Give me Moore

Definitivamente éste no es el mes para escribir lo que sucede cada día y me temo que con el fin de año en la U, las cosas no mejoren hasta fines de junio.
Por aquí ya terminó el gran evento del mes, el festival de Cannes.
Para quien estuvo siguiendo las críticas día a día, el premio no debió haber sido tan inesperado pues la presencia de Moore fue todo un acontecimiento en Francia.
Desde su Bowling for Columbine, que resultó un éxito indiscutible, Moore es toda una figura. Y es que no puede dejar de interesar una autocrítica a los resbalones estadounidenses, salida de un país que parece no practicarla con tanta frecuencia.

Inmediatamente después de la premiación aparecieron varios artículos y la mayor parte coincidieron en la connotación política del premio y en el interés que este asunto ha comenzado a suscitar en el medio artístico. Lo cierto es que ya el año pasado Elephant, una relectura de la masacre de Columbine, se llevó la Palma de Oro, sin olvidar que Moore (por su Bowling...) recibió el premio al mejor documental.
Aún antes de la llegada de Farenheit 9/11 a Cannes, el lío entre Disney y Miramax por la distribución del film lo presentaba casi como objeto de censura. Pues qué podía esperarse? No hay cosa más deliciosa para un jurado presidido por un rebelde, que la de premiar al prohibido.
No sé si la calidad haya estado de rendez-vous como dicen por aquí. Bowling... no era digamos un ejemplo de cine arte, sino más bien de cine valiente. Podría hasta decir que el documental era feo, sin embargo la astucia y la sangre fría para conducir una historia a todas luces altamente sensible eran sorprendentes. Para no perdérsela.

Almodóvar y su mala educación

Bueno, hacía tiempo que no me ponía al día en este asunto de dar cuenta de las cosas cotidianas. Es que he estado absorbida en detalles como tener que ganar dinero. Enfin.
Ayer domingo me las arreglé para ir al cine después de pasar un rato en la biblioteca, incapaz de concentrarme.
"La mala educación" comienza de un modo bastante estridente, y la estridencia la acompañará hasta el final, así que las almas sensibles estén advertidas, esta película es con frecuencia una sucesión de rojos fuego, verdes limón y fucsias fluorescentes en todos los sentidos, decorativos y actorales. Sin embargo, como ya empezó a verse en "Todo sobre mi madre" y "Hable con ella", hay escenas de sosiego, magníficas escenas que transfiguran todo aquello que parecía sólo superficie.
Así, nada hay más triste que el fin de la infancia tras una canción o como bien dice Ignacio, el verdadero protagonista -presente sólo a través de su relato, de su escritura-, a través de un hilo de sangre que corre por su frente y parte su ser en dos.

"La mala educación" muestra una manera de filmar más y más simbólica, o por decirlo mejor, menos explicativa, las imágenes de Almodóvar comienzan a hablar solas. Creo que era esto lo que no terminaba de gustarme en sus primeras películas. Todo parecía demasiado narrativizado, sus finales eran bastante truculentos. Eso es quizás lo que más ha cambiado, uno está ya frente a una película redonda, concebida inteligentemente y sin cabos sueltos.

Otro aspecto, y tal vez el más interesante de todos es la reflexión del director sobre el rol del arte. A través del cine, en el caso de Enrique (y además un excelente ejemplo de trabajo metaficcional), de la actuación, para Juan/Angel, y de la escritura, para Ignacio, los demonios que persiguen a estos tres seres torturados pueden al fin ser exorcizados. El arte es aquí una manera de salvarse. Frente a las miserias de la realidad, sólo el arte hace posible la supervivencia (aún más allá de la muerte). Ignacio ya no está más, pero sigue ahí al mismo tiempo.
Así, la historia de amor homosexual no es sino el anzuelo para llevarnos a descubrir que el arte es una forma de amar. Poco importa lo que suceda después con cada uno de los personajes, el final de "La Mala educación" es también el de "La visita", el del rol de Zahara y el punto final para la última frase de Ignacio.

La Pasión

Película que decidí ver contra todas las opiniones para hacerme una idea propia. Las cosas comienzan bien, diría yo, Gibson ha elegido iniciar la historia con la oración en el huerto de los Olivos. Otra elección que me gustó, aunque según los expertos no es fiel a la historia, es el uso del idioma arameo, gracias a esto hay de inmediato una distanciación y uno se siente menos en un film hollywoodiense que en una película de autor. Cabe recalcar que estoy relatando las cosas como yo las percibí, paso a paso.

La caracterización parecía bien hecha, los personajes tenían particularidades físicas y gestuales más o menos propias del medio al que pertenecían. En cuanto a la trama, ésta correspondía en pelos y señales a la de la Biblia, así que el ingrediente sorpresa no estaba definitivamente en juego. Contrariamente a la crítica general, la simbolización del mal (una mujer vestida de negro siempre presente en los momentos clave o el suicidio de Judas acompañado de un burro putrefacto) no me pareció excesiva. Hasta aquí uno estaba más bien entrando en la película y no se podía emitir opiniones tan determinantes.
Luego pasamos a Jesús y los juicios, Jesús y los castigos...

Enfin, las imágenes son probablemente lo más violento que he visto en cine, sólo comparable lo hecho en películas como Training Day o Irreversible (es célebre su escena de violación en tiempo real).
Seguramente más violencia se ha visto, a alguien le vendrá a la cabeza Fight Club o Pulp Fiction por ejemplo, pero lo que hay aquí y en una dimensión que va más allá de la historia que se cuenta, que alcanza aún el propósito del realizador y su elección de una determinada secuencia de eventos que forman parte de una historia conocida por todos (no otra secuencia, sino la de la pasión, que por ser demasiado lineal es "engrosada" con breves flash backs), es a mi juicio una violencia gratuita.
Y porque una magnífica historia (y hablo de la vida de Cristo como historia, es decir desde el punto de vista literario) estaba siendo tristemente utilizada para sacarnos lágrimas, para horrorizarnos, para remecernos del modo más plano y burdo, con pedazos de carne arrancados con garfios, con litros de sangre regados a su paso (vamos, no se necesita de eso para creer en algo o sentir horror), en fin, por todo eso me salí de la sala. Detrás mío salieron también unos cuantos.

matrimonios

ignoro si este post me conducirá del cine a la vida real.
por casualidad vi ayer una comedia francesa llamada "matrimonios", una de esas películas que analizan y a veces autopsian el destino de una pareja. En este caso son tres, una de 25 años, otra de 35 y otra de cuarentaitantos. Digamos que uno establece de inmediato el paralelismo y los pobres novios ya bien vestiditos de blanco se están viendo en veinte años más, agrios y con un pie en otra cama en las caras de sus padres. a pesar de la mecánica puesta en escena, las bromas y situaciones tocan fibra sensible y cuestionan el rol de matrimonio.
qué es el matrimonio, para qué sirve, son dos preguntas que también me vengo haciendo ya hace varias semanas desde que creí descifrar una sutil insinuación. al menos esas dos preguntas podrían generar respuestas, me digo, pues hay otras más que van surgiendo y son mucho peores, creer en la fidelidad por ejemplo (uno de mis mayores temores es convertirme en un émulo de don Juan) y dejar cerrada la posibilidad a cualquier otra elección, tener hijos es otra, estará uno listo?, cómo saberlo?
el matrimonio de mis padres ha sido en resumen muy feliz, y lo sigue siendo a todas luces, pero no puedo evitar recordar momentos en que yo estando en su lugar hubiera salido corriendo y dejando atrás hijos y pareja. sin embargo ahí estan, de buen humor y nunca arrepentidos. habrá sido sólo suerte? tendrá uno la paciencia, la comprensión necesarias para poder decirse en un tiempo difícil, no, aún no es el final, voy a intentarlo una vez más?

IMMORTEL

Ahí va algo de la historia... Horus decide fecundar a una mujer en los siete días que le quedan en la tierra antes de morir. Encuentra el cuerpo del hombre que le parece apropiado, el artista subversivo Nikopol, y se lanza en búsqueda de Jill, una extraña mutante de cabellos azules.
Este es el primer film de Enki Bilal (antes hizo otros dos pero esos estaban en el puro estilo cómic)en el que hay un trabajo conjunto de diseño y de imágenes reales. El resultado es de una belleza que deja sin aliento. La ciudad elegida por Bilal se parece algo a la ciudad Gótica, un Nueva York completamente gris, poblado por humanos y mutantes y dominado por Eugenics, empresa dedicada a la fabricación de tejidos sintéticos.
La crítica de Bilal se orienta hacia el enorme poder que puede tener una empresa privada en ese futuro no tan lejano (me parece que señala el año 2095). Eugenics domina el terreno político a través de Allgood, senador o algo parecido de ese lugar, y que tiene por único fin el de servir sus intereses.
Sin embargo la historia principal es la de Horus y su deseo de perpetuación, a través del destino de dos seres elegidos a priori. Hay allí la cuestión del destino predefinido por los dioses, de la inexistencia del libre albedrío.
Este Horus que en nada corresponde al dios cristiano, pone en relieve la cuestión del bien y el mal y me recuerda claramente al fascinante Abraxas de Hesse.

La joven de la perla

Ayer fui al cine a ver esta película. El tema es interesante y la historia sin grandes pretensiones (cómo fue pintado el famoso cuadro de Vermeer). El entusiasmo por Lost in Translation me hizo volver a ver a Scalett Johansson que aquí actúa muy bien. Es una joven pobre que debe trabajar como empleada en casa de Vermeer en la Holanda de los años 1600. El contexto socio religioso está establecido claramente, Delft es una ciudad de comerciantes, la religión católica está en auge, sobre todo en las clases más ricas, pero el protestantismo persiste en las populares. El comportamiento de los personajes está marcado entonces por los tabúes y consideraciones morales de la época. Curiosamente, el cuadro del que trata la historia es, para ese momento, una imagen obscena.
A pesar de que la puesta en escena es meticulosa y seguramente ajustada a la historia del momento, hay una artificialidad que se instala desde la primera escena en la cocina. Toda la película está entonces marcada por lo inverosímil. Uno no llega a creerse casi nada, Scarlet Johansson está disfrazada de holandesa y Colin Firth es un sexy Vermeer. La fotografía es muy buena, los efectos de la luz son definitivamente la vedette de la película, normal, puesto que Vermeer era un especialista de ella. Ahora, como la apuesta va por el lado de lo visual, el diálogo está demasiado descuidado, al menos al inicio, donde los personajes se pierden en banalidades y sinsentidos (después mejora algo pero no lo suficiente).
El resultado final es el de una pequeña cinta para animar una noche de domingo, pero creo que nada más.

Les verts paradis

Elegí esta película en medio de una pelea con D. en la fila del cine, así que no había ningún a priori. Escrita y dirigida por el hijo del famosísimo Pierre Bordieu me pareció más bien una suerte de ejercicio de estilo. En tres líneas, es la historia de un investigador que vive en París y que decide escribir un artículo sobre los solteros en su pueblo, para esto viaja a su lugar de orígen y encuentra a sus amigos de infancia. Una de las muchachas se enamora de él pero él está empeñado en reconciliarla con un antiguo amor. La historia es así de simple y no contaré el desenlace.
La película parece demasiado condicionada por premisas teóricas como las de la educación, clase social, relaciones interfamiliares. Hay un paralelismo entre la vida parisina y la del campo, el ambiente intelectual en el que el protagonista se desenvuelve (y que intelectualiza aún el amor) y el ambiente sencillo de una fiesta del pueblo, las preocupaciones terrenales de agricultores frente al artículo inconcluso tan esperado por un renombrado comité de edición. Esto la vuelve algo esquemática y simplista. Pareciera que lo que se trata es de explorar un determinado sector social francés y de probar un par de cosas. Se tiene la impresión de estar presenciando una disección (lo que me recuerda algunos filmes de Rohmer), aquí Bordieu lo hace de la manera más triste y aburrida.
El verdadero peso específico del film es en definitiva la actuación de Natasha Regnier, que algunos habrán visto en La vida soñada de los ángeles, film que ganó ya hace tiempo la Palma de oro en Cannes.

Not That Lost....

Cómo hablar del amor sin entrar en uno de los clásicos lugares comunes: caricias, besos, sábanas? Este difícil asunto ha sido maravillosamente resuelto por Sofia Coppola. La primera cosa que se me ocurrió apenas terminada la película, fue la idea del respeto. En Virgin suicides, esta cuestión era más evidente, algo más mecánica también, el respeto a la voluntad del ser humano, aún si éste es joven, el respeto de sus sentimientos, de sus impulsos, enfin. Pero creo que la cuestión ha alcanzado una dimensión mayor, por lo sutil y conmovedora, al tratar una vez más el tema del amor sin banalizarlo.
Nada hay de sangre, sudor o saliva en esas dos horas y sin embargo uno tiene el aliento entrecortado. Por qué la historia de dos personas cuyos únicos puntos en común parecen ser Tokio y una cantidad enorme de tiempo a dejar pasar nos captura de ese modo? Quién sabe porque, como sucede con los protagonistas, de algún modo la verdadera esencia de cada uno de nosotros está perdida entre lo que queremos comunicar y lo que los demás realmente comprenden. Lo esencial está casi siempre en lo no dicho, lo esencial se pierde en la traducción.
Sin embargo y felizmente sus héroes no estan condenados a un destino asintótico. En ese único instante en que los vectores coinciden y en que la verdad (del amor) puede por un instante abrirse paso, aún estos personajes de ficcion tienen derecho al respeto: a un secreto, a un momento de magia que sólo a ellos les pertenece.
Qué más decir?