Se muestran los artículos pertenecientes a Mayo de 2004.
02/05/2004
La Pasión
Película que decidí ver contra todas las opiniones para hacerme una idea propia. Las cosas comienzan bien, diría yo, Gibson ha elegido iniciar la historia con la oración en el huerto de los Olivos. Otra elección que me gustó, aunque según los expertos no es fiel a la historia, es el uso del idioma arameo, gracias a esto hay de inmediato una distanciación y uno se siente menos en un film hollywoodiense que en una película de autor. Cabe recalcar que estoy relatando las cosas como yo las percibí, paso a paso.
La caracterización parecía bien hecha, los personajes tenían particularidades físicas y gestuales más o menos propias del medio al que pertenecían. En cuanto a la trama, ésta correspondía en pelos y señales a la de la Biblia, así que el ingrediente sorpresa no estaba definitivamente en juego. Contrariamente a la crítica general, la simbolización del mal (una mujer vestida de negro siempre presente en los momentos clave o el suicidio de Judas acompañado de un burro putrefacto) no me pareció excesiva. Hasta aquí uno estaba más bien entrando en la película y no se podía emitir opiniones tan determinantes.
Luego pasamos a Jesús y los juicios, Jesús y los castigos...
Enfin, las imágenes son probablemente lo más violento que he visto en cine, sólo comparable lo hecho en películas como Training Day o Irreversible (es célebre su escena de violación en tiempo real).
Seguramente más violencia se ha visto, a alguien le vendrá a la cabeza Fight Club o Pulp Fiction por ejemplo, pero lo que hay aquí y en una dimensión que va más allá de la historia que se cuenta, que alcanza aún el propósito del realizador y su elección de una determinada secuencia de eventos que forman parte de una historia conocida por todos (no otra secuencia, sino la de la pasión, que por ser demasiado lineal es "engrosada" con breves flash backs), es a mi juicio una violencia gratuita.
Y porque una magnífica historia (y hablo de la vida de Cristo como historia, es decir desde el punto de vista literario) estaba siendo tristemente utilizada para sacarnos lágrimas, para horrorizarnos, para remecernos del modo más plano y burdo, con pedazos de carne arrancados con garfios, con litros de sangre regados a su paso (vamos, no se necesita de eso para creer en algo o sentir horror), en fin, por todo eso me salí de la sala. Detrás mío salieron también unos cuantos.
La caracterización parecía bien hecha, los personajes tenían particularidades físicas y gestuales más o menos propias del medio al que pertenecían. En cuanto a la trama, ésta correspondía en pelos y señales a la de la Biblia, así que el ingrediente sorpresa no estaba definitivamente en juego. Contrariamente a la crítica general, la simbolización del mal (una mujer vestida de negro siempre presente en los momentos clave o el suicidio de Judas acompañado de un burro putrefacto) no me pareció excesiva. Hasta aquí uno estaba más bien entrando en la película y no se podía emitir opiniones tan determinantes.
Luego pasamos a Jesús y los juicios, Jesús y los castigos...
Enfin, las imágenes son probablemente lo más violento que he visto en cine, sólo comparable lo hecho en películas como Training Day o Irreversible (es célebre su escena de violación en tiempo real).
Seguramente más violencia se ha visto, a alguien le vendrá a la cabeza Fight Club o Pulp Fiction por ejemplo, pero lo que hay aquí y en una dimensión que va más allá de la historia que se cuenta, que alcanza aún el propósito del realizador y su elección de una determinada secuencia de eventos que forman parte de una historia conocida por todos (no otra secuencia, sino la de la pasión, que por ser demasiado lineal es "engrosada" con breves flash backs), es a mi juicio una violencia gratuita.
Y porque una magnífica historia (y hablo de la vida de Cristo como historia, es decir desde el punto de vista literario) estaba siendo tristemente utilizada para sacarnos lágrimas, para horrorizarnos, para remecernos del modo más plano y burdo, con pedazos de carne arrancados con garfios, con litros de sangre regados a su paso (vamos, no se necesita de eso para creer en algo o sentir horror), en fin, por todo eso me salí de la sala. Detrás mío salieron también unos cuantos.
me olvidaba...
03/05/2004
Soldados de Salamina
Acabo de leer esta magnífica novela y creo que pocas veces algo tan sobrio y emotivo he visto en estos últimos años.Aún no me atrevo a hacer comentario alguno, así que por el momento, una buena imagen...
05/05/2004
Los indispensables del Rock
Bueno, aquí reproduzco los 20 primeros de la lista de LPs indispensables del Rock según los críticos de la famosa revista francesa Telerama. Esta lista fue publicada en homenaje a los 50 años del rock.
1. The Clash "London Calling" (1979)
2. The Velvet Underground "The Velvet Underground & Nico" (1967)
3. The Rolling Stones " Let it bleed" (1969)
4. Television "Marquee Moon" (1977)
5. Nock Drake " Fire leaves left" (1977)
6. The Beach Boys " Pet sounds" (1966)
7. Lou Reed "Berlin" (1973)
8. The Sex Pistols "Never mind the bollocks..." (1977)
9. Van Morrison "Astral weeks" (1968)
10. Patti Smith "Horses" (1975)
11. T. Rex "Electric warrior" (1972)
12. David Bowie "The Rise and Fall of Ziggi Stardust" (1972)
13. The Beatles "Revolver" (1966)
14. The modern lovers "The modern lovers" (1976)
15. Bob Dylan "Blonde on blonde" (1966)
16. Love "Forever changes" (1967)
17. The kinks "Village Green Preservation Society" (1968)
18. Prince "Sign O the times" (1987)
19. The Jimi Hendrix Experience "Electric Ladyland" (1968)
20. P.J. Harvey "To bring you my love" (1995)
Hay treinta más, pero la tendencia es la misma, lo mejor del rock se hizo en las décadas de los 60 y 70, en particular en esta última.
1. The Clash "London Calling" (1979)
2. The Velvet Underground "The Velvet Underground & Nico" (1967)
3. The Rolling Stones " Let it bleed" (1969)
4. Television "Marquee Moon" (1977)
5. Nock Drake " Fire leaves left" (1977)
6. The Beach Boys " Pet sounds" (1966)
7. Lou Reed "Berlin" (1973)
8. The Sex Pistols "Never mind the bollocks..." (1977)
9. Van Morrison "Astral weeks" (1968)
10. Patti Smith "Horses" (1975)
11. T. Rex "Electric warrior" (1972)
12. David Bowie "The Rise and Fall of Ziggi Stardust" (1972)
13. The Beatles "Revolver" (1966)
14. The modern lovers "The modern lovers" (1976)
15. Bob Dylan "Blonde on blonde" (1966)
16. Love "Forever changes" (1967)
17. The kinks "Village Green Preservation Society" (1968)
18. Prince "Sign O the times" (1987)
19. The Jimi Hendrix Experience "Electric Ladyland" (1968)
20. P.J. Harvey "To bring you my love" (1995)
Hay treinta más, pero la tendencia es la misma, lo mejor del rock se hizo en las décadas de los 60 y 70, en particular en esta última.
" Yo sé, yo sé "13/05/2004
para webear
17/05/2004
Almodóvar y su mala educación
Bueno, hacía tiempo que no me ponía al día en este asunto de dar cuenta de las cosas cotidianas. Es que he estado absorbida en detalles como tener que ganar dinero. Enfin.
Ayer domingo me las arreglé para ir al cine después de pasar un rato en la biblioteca, incapaz de concentrarme.
"La mala educación" comienza de un modo bastante estridente, y la estridencia la acompañará hasta el final, así que las almas sensibles estén advertidas, esta película es con frecuencia una sucesión de rojos fuego, verdes limón y fucsias fluorescentes en todos los sentidos, decorativos y actorales. Sin embargo, como ya empezó a verse en "Todo sobre mi madre" y "Hable con ella", hay escenas de sosiego, magníficas escenas que transfiguran todo aquello que parecía sólo superficie.
Así, nada hay más triste que el fin de la infancia tras una canción o como bien dice Ignacio, el verdadero protagonista -presente sólo a través de su relato, de su escritura-, a través de un hilo de sangre que corre por su frente y parte su ser en dos.
"La mala educación" muestra una manera de filmar más y más simbólica, o por decirlo mejor, menos explicativa, las imágenes de Almodóvar comienzan a hablar solas. Creo que era esto lo que no terminaba de gustarme en sus primeras películas. Todo parecía demasiado narrativizado, sus finales eran bastante truculentos. Eso es quizás lo que más ha cambiado, uno está ya frente a una película redonda, concebida inteligentemente y sin cabos sueltos.
Otro aspecto, y tal vez el más interesante de todos es la reflexión del director sobre el rol del arte. A través del cine, en el caso de Enrique (y además un excelente ejemplo de trabajo metaficcional), de la actuación, para Juan/Angel, y de la escritura, para Ignacio, los demonios que persiguen a estos tres seres torturados pueden al fin ser exorcizados. El arte es aquí una manera de salvarse. Frente a las miserias de la realidad, sólo el arte hace posible la supervivencia (aún más allá de la muerte). Ignacio ya no está más, pero sigue ahí al mismo tiempo.
Así, la historia de amor homosexual no es sino el anzuelo para llevarnos a descubrir que el arte es una forma de amar. Poco importa lo que suceda después con cada uno de los personajes, el final de "La Mala educación" es también el de "La visita", el del rol de Zahara y el punto final para la última frase de Ignacio.
Ayer domingo me las arreglé para ir al cine después de pasar un rato en la biblioteca, incapaz de concentrarme.
"La mala educación" comienza de un modo bastante estridente, y la estridencia la acompañará hasta el final, así que las almas sensibles estén advertidas, esta película es con frecuencia una sucesión de rojos fuego, verdes limón y fucsias fluorescentes en todos los sentidos, decorativos y actorales. Sin embargo, como ya empezó a verse en "Todo sobre mi madre" y "Hable con ella", hay escenas de sosiego, magníficas escenas que transfiguran todo aquello que parecía sólo superficie.
Así, nada hay más triste que el fin de la infancia tras una canción o como bien dice Ignacio, el verdadero protagonista -presente sólo a través de su relato, de su escritura-, a través de un hilo de sangre que corre por su frente y parte su ser en dos.
"La mala educación" muestra una manera de filmar más y más simbólica, o por decirlo mejor, menos explicativa, las imágenes de Almodóvar comienzan a hablar solas. Creo que era esto lo que no terminaba de gustarme en sus primeras películas. Todo parecía demasiado narrativizado, sus finales eran bastante truculentos. Eso es quizás lo que más ha cambiado, uno está ya frente a una película redonda, concebida inteligentemente y sin cabos sueltos.
Otro aspecto, y tal vez el más interesante de todos es la reflexión del director sobre el rol del arte. A través del cine, en el caso de Enrique (y además un excelente ejemplo de trabajo metaficcional), de la actuación, para Juan/Angel, y de la escritura, para Ignacio, los demonios que persiguen a estos tres seres torturados pueden al fin ser exorcizados. El arte es aquí una manera de salvarse. Frente a las miserias de la realidad, sólo el arte hace posible la supervivencia (aún más allá de la muerte). Ignacio ya no está más, pero sigue ahí al mismo tiempo.
Así, la historia de amor homosexual no es sino el anzuelo para llevarnos a descubrir que el arte es una forma de amar. Poco importa lo que suceda después con cada uno de los personajes, el final de "La Mala educación" es también el de "La visita", el del rol de Zahara y el punto final para la última frase de Ignacio.
20/05/2004
la mejor escena nunca filmada27/05/2004
Give me Moore
Definitivamente éste no es el mes para escribir lo que sucede cada día y me temo que con el fin de año en la U, las cosas no mejoren hasta fines de junio.
Por aquí ya terminó el gran evento del mes, el festival de Cannes.
Para quien estuvo siguiendo las críticas día a día, el premio no debió haber sido tan inesperado pues la presencia de Moore fue todo un acontecimiento en Francia.
Desde su Bowling for Columbine, que resultó un éxito indiscutible, Moore es toda una figura. Y es que no puede dejar de interesar una autocrítica a los resbalones estadounidenses, salida de un país que parece no practicarla con tanta frecuencia.
Inmediatamente después de la premiación aparecieron varios artículos y la mayor parte coincidieron en la connotación política del premio y en el interés que este asunto ha comenzado a suscitar en el medio artístico. Lo cierto es que ya el año pasado Elephant, una relectura de la masacre de Columbine, se llevó la Palma de Oro, sin olvidar que Moore (por su Bowling...) recibió el premio al mejor documental.
Aún antes de la llegada de Farenheit 9/11 a Cannes, el lío entre Disney y Miramax por la distribución del film lo presentaba casi como objeto de censura. Pues qué podía esperarse? No hay cosa más deliciosa para un jurado presidido por un rebelde, que la de premiar al prohibido.
No sé si la calidad haya estado de rendez-vous como dicen por aquí. Bowling... no era digamos un ejemplo de cine arte, sino más bien de cine valiente. Podría hasta decir que el documental era feo, sin embargo la astucia y la sangre fría para conducir una historia a todas luces altamente sensible eran sorprendentes. Para no perdérsela.
Por aquí ya terminó el gran evento del mes, el festival de Cannes.
Para quien estuvo siguiendo las críticas día a día, el premio no debió haber sido tan inesperado pues la presencia de Moore fue todo un acontecimiento en Francia.
Desde su Bowling for Columbine, que resultó un éxito indiscutible, Moore es toda una figura. Y es que no puede dejar de interesar una autocrítica a los resbalones estadounidenses, salida de un país que parece no practicarla con tanta frecuencia.
Inmediatamente después de la premiación aparecieron varios artículos y la mayor parte coincidieron en la connotación política del premio y en el interés que este asunto ha comenzado a suscitar en el medio artístico. Lo cierto es que ya el año pasado Elephant, una relectura de la masacre de Columbine, se llevó la Palma de Oro, sin olvidar que Moore (por su Bowling...) recibió el premio al mejor documental.
Aún antes de la llegada de Farenheit 9/11 a Cannes, el lío entre Disney y Miramax por la distribución del film lo presentaba casi como objeto de censura. Pues qué podía esperarse? No hay cosa más deliciosa para un jurado presidido por un rebelde, que la de premiar al prohibido.
No sé si la calidad haya estado de rendez-vous como dicen por aquí. Bowling... no era digamos un ejemplo de cine arte, sino más bien de cine valiente. Podría hasta decir que el documental era feo, sin embargo la astucia y la sangre fría para conducir una historia a todas luces altamente sensible eran sorprendentes. Para no perdérsela.
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